chaplin, up y los niños

toda la semana hemos realizado talleres de cine en el ceip la caixa de la verneda, junto a gonzalo marchena. lo que en principio parecía una semana angustiante, se ha convertido en una semana de alegrías y buenas experiencias.
en concreto, los grupos de 3º y 4º, niños de 8 a 11 años, escucharon una clase sobre historia del cine. y en ella he aprovechado para experimentar la respuesta hacia dos tipos de película escogiendo ejemplos que indicaran que el cine es un lenguaje universal que sigue vivo más allá de las fronteras del sonido, color o soporte de creación.
para hacer que los niños rieran lo fácil era escoger un fragmento de película de animación, aquello a lo que están más acostumbrados. en lugar de hacer eso, el fragmento "cómico" de la sesión fue a cargo de uno de los más grandes, chaplin y sus tiempos modernos:

la respuesta de los niños fue magnífica. rieron muchísimo, gritaron y disfrutaron.
en cambio, la secuencia de animación que se escogió fue totalmente diferente. uno de los mejores momentos del cine de los últimos años es el principio de up, la historia de ellie y carl. esta secuencia, llena de elementos dramáticos, mantuvo la atención y el disfrute de los niños sin problema, mostrando que si lo que nos cuentan es interesante y se cuenta de manera magistral, poco más importa.

citas (vii)

vamos a empezar el año siendo positivos... y aunque no está relacionada directamente con el cine, es cierto que el cine no es otra cosa que una gran manera de crear y contar sueños... que acaban por desvanecerse...

"and, like the baseless fabric of this vision,
the cloud-capped towers, the gorgeous palaces,
the solemn temples, the great globe itself,
yea, all which it inherit, shall disolve,
and, like this insubstantial pageant faded,
leave not a rack behind. we are such stuff
as dreams are made on; and our little life
is rounded with a sleep [...]"

"[...] la efímera obra de esta visión,
las altas torres que las nubes tocan, los palacios espléndidos,
los templos solemnes, el inmenso globo,
y todo lo que en él habita, se disolverá;
y tal como ocurre en esta vana ficción
desaparecerán sin dejar humo ni estela. estamos hechos
de la misma materia que los sueños, y nuestra pequeña
vida cierra su círculo en un sueño [...]"

the tempest, w. shakespeare (edición de Cátedra).

annie hall y las relaciones humanas

@Estherconhache me ha recordado hoy porque me gustaba tanto woody allen. soy de los que piensa que sus últimas películas no están a la altura de una carrera brillante, aunque también hay que considerar que es absolutamente normal no poder llegar a realizar películas excelentes durante una carrera tan productiva como la de allen.
en todo caso, un pequeño fragmento de annie hall -el final, en concreto- para revisitar esos grandes momentos en los que allen une el humor con la reflexión y obtiene un resultado maravilloso.

kodak se desploma

uno de los titulares del día es que kodak cae en picado... se desploma. y a mí me entran ganas de llorar. es un secreto a gritos que el productor de película más importante del siglo xx está cerca de exalar un último suspiro. y, a pesar de que no sea la muerte, si consigue reinventarse poco quedará de lo que conocemos.
el negativo se dirige, pasito a pasito, hacia un espacio incierto donde su inclusión en el mundo cinematográfico queda en duda.
¿y qué es lo que perdemos si perdemos el negativo? ¿una serie de empresas reinventado su identidad? no. creo que perdemos una parte de nosotros que forma parte de la mayor parte de recuerdos cinematográficos que pueblan nuestra memoria. creo que perdemos un modo de acceder a la belleza mediante el uso de soportes diferentes. creo que perdemos alternativas porque el futuro no tiene tiempo ni espacio para lo que ya no entiende.
pero si no miramos al pasado, perderemos irremisiblemente la identidad.

aquí la noticia en la vanguardia
aquí la noticia en el país

3d, documental y cine de autor según wenders

sobre 3d, es interesante lo que comenta un director como wim wenders, preocupado por lo que puede ofrecer como nueva herramienta narrativa más que como reclamo comercial.

¿en el futuro veremos cine de autor en 3d? ¿qué se imagina?

estoy convencido de que el 3d es el medio ideal para los documentales del futuro. llevará al género a un nuevo nivel. los directores pueden introducir a los espectadores en la vida de los personajes que están retratando de un modo mucho más intenso. en ficción, creo que los cineastas deben probar qué es capaz de hacer para sus historias. la ola de blockbusters de los últimos años no ha mostrado ni remotamente el potencial del 3d, al contrario, está a punto de destruirlo al usarlo sólo como una atracción en sí misma y no cómo una forma nueva para contar historias. hubo una obra maestra, Avatar, y después de ella, poco más. los estudios no están interesados en desarrollar el 3d como una fantástica nueva etapa de la historia del cine incluso más poderosa que el paso del cine mudo al sonoro, sino en forrarse con ello y punto.

la entrevista completa puede leerse aquí.

los soprano: las matemáticas y la fe

paulie es uno de mis personajes favoritos de la serie the sopranos, así como silvio. si además se atreve a convertir la fe en una cuestión de matemáticas no me queda más que rendirme a sus pies.

la escena corresponde a la segunda temporada y creo que no perjudica a nadie a nivel spoiler o eso espero. no he podido conseguirla con subtitulos...

en busca del look

buscar el look de una película es, entre otras muchas cosas, preguntarse por cómo queremos que sean plástica y narrativamente nuestras imágenes. dentro de este universo está la búsqueda de los referentes. pensando sobre esto los últimos días, no he podido evitar asociar ideas entre películas y otro tipo de obras de arte. una que me parece maravillosa es esta:





por un lado, fotografías de Robert Capa del desembarco de Normandía. por otro, un par de fotogramas de la película de spielberg (fotografiada por kaminski), saving private ryan. será uno de los referentes que utilizaron?

Alain Bergala en el cccb

ayer Alain Bergala visitó el cccb para ofrecer una sesión sobre didáctica y cine. la verdad es que el tema interesaba mucho (me imagino) a los estudiantes del curso para el que la sesión servía de lección inaugural. a mí me interesaba más el propio Bergala porque ha trabajado con muchos cineastas de la nouvelle vague. así que me acerqué.
por desgracia he ido a muchas conferencias que no me han servido para mucho. la verdad es que creo que no exijo demasiado, simplemente con que una idea sea interesante y te haga pensar un poco, merece la pena estar dos horas sentado.
antes que nada tengo que decir que para mí Bergala es demasiado francés. con esto me refiero a que tiene una concepción del cineasta un tanto idealizada, dando a esa figura la capacidad del artista. estoy totalmente de acuerdo: hay cineastas que son artistas. pero no hay que olvidar que tienen a su lado a otros artistas que hacen que su obra sea una obra de arte. eso es lo que más me gusta del cine. es un arte colaborativo en el que muchas manos moldean el producto final. es evidente que no muchos toman decisiones creativas y que es el director el que dice la última palabra (no siempre es tan evidente...). pero no es la única mente creativa de la que surge todo un universo. el concepto de autor francés es demasiado exclusivo en el sentido de que excluye a los demás de sus creaciones.
dejando esto de lado, hubo una idea que me interesó bastante:
para alain bergala se puede presentar el cine a los demás (en este caso se trataba de cómo presentarlo a los alumnos) de cuatro maneras distintas.
la primera es presentarlo como un conjunto de conocimientos, de información sobre el mundo. esto tiene el problema de que la ideología siempre se inmiscuye, es imposible separarla, lo que hace que se pueda evaluar el cine sólo por los contenidos ideológicos que representa.
la segunda es presentarlo como cultura, lo que también es problemático en el sentido de que como cultura se convierte en algo muy concreto que una generación comparte, con lo que toda la historia del cine queda reducida a un número muy limitado de películas y, principalmente, actuales.
la tercera es como lenguaje y se relaciona directamente con la cuarta, el cine como arte. y aquí es donde aparece realmente mi interés. si entendemos el cine como lenguaje quiere decir que existe una "gramática del cine", una serie de normas con las que se realizan las películas. es por eso que no se puede hablar de lenguaje. en todo caso, el cine es una lengua. esto implica que tiene parámetros, no normas fijas. el cineasta tiene que conocer estos parámetros. a partir de esos conocimientos debe decidir como realizar, cómo dirigir. el cine es una lengua y también una pulsión. "no hay nada que se pueda enseñar en el arte", comentó Bergala hacia el final de la sesión. un artista decide cómo realizar sus obras a partir de complejas decisiones. pero no se puede enseñar cómo hacerlo, qué decisiones se tienen que escoger.
interesante. y sin duda, todo esto tiene que ver con la línea que separa el cine como arte con el cine artesanal. crear productos para la venta no es lo mismo que crear obras de arte. aunque muchas veces sean los productos los que se llevan toda la atención y reconocimiento. eso sí, lo que perdura son las obras de arte.

citas (V)

deleuze, filósofo francés, en su famoso estudios sobre cine 1: la imagen-movimiento, deja bien claro qué piensa de los cineastas y la producción cinematográfica ya en su prefacio:

hemos pensado que los grandes autores de cine podían ser comparados no sólo con pintores, arquitectos, músicos, sino también con pensadores. ellos piensan con imágenes-movimiento y con imágenes-tiempo, en lugar de conceptos. la enorme proporción de ineptitud en la producción cinematográfica no es una objeción: no es mayor que en otros terrenos, aunque tenga consecuencias ecónomicas e industriales sin parangón. los grandes autores de cine son, únicamente más vulnerables: impedirles realizar su obra es infinitamente más fácil. la historia del cine es un prolongado martirologio. pero, aún así, el cine forma parte de la historia del arte y del pensamiento, bajo las insustituibles formas autónomas que esos autores supieron inventar y, a pesar de todo, hacer viables.

el libro fue publicado en 1982. la edición castellana se encuentra en la editorial paidós (colección comunicación).

por si alguien se interesa por deleuze, dejo este link.

psycho y las experiencias imposibles

soy un admirador de hitchcock. cuando mi padre me dice que, al fin y al cabo, tan solo se dedicó a contar cuentos, me gusta contestarle que es cierto pero que nadie los cuenta como él. y es así, hitchcock inventa situaciones inverosímiles dentro de un orden social propio de su época. y lo hace a las mil maravillas.

en todo caso, quizá este no sea el caso de psycho. podría ocurrir perfectamente que un demente con trastorno de personalidad cometiera crímenes e interactuara con personas que no existen (esto me recuerda que ayer, además de psycho, también vi shutter island. no hay comparaciones posibles entre lo uno y lo otro ni de lejos).

pero yendo al tema: qué peliculón. de principio a fin (a pesar de que el discurso final del psiquiatra me moleste un poco). hitchcock saca a relucir todas las facetas que hacen grande a su cine: dominio de los diálogos y de las situaciones, un guión férreo, el suspense, la música... me encanta el primer diálogo de la película entre Sam y Marion en la habitación de un hotel barato (por cierto, qué guapa está Janet Leigh en esta película), donde todo queda claro sin que por ello parezca forzado: el diálogo nos da el motivo por el que se iniciara la huida de Marion con el dinero, y con ello el resto de acontecimientos posteriores. además está lleno de esa sexualidad contenida del maestro inglés, como también lo está el diálogo entre Marion y el magnate que pagando al contado le da la posibilidad de escapar con dos grandes fajos de dinero en lugar de llevarlos al banco tal y como su jefe le ha pedido.

a propósito de esto, otra de las cosas que tiene esta película (y hitchcock en general) es el espléndido tratamiento que se da a los papeles secundarios, como por ejemplo, el del magnate o el de la compañera de trabajo de marion. hitchcock los define con un plano, dándoles una personalidad que muchas películas no consiguen dar a sus personajes protagonistas. todo está medido al milímetro. y eso, sin duda, enriquece a la película.

no obstante, si hay algo por lo que está película me enamora y me obliga a revisitarla es su estructura. ¡¡¡hitchcock mata a su protagonista a los 40 minutos!!! ¡y se dice rápido! pero la verdad es que es uno de los golpes de efecto más sorprendentes que me han ofrecido las películas que he visto a lo largo de mi vida. es que mata a su protagonista... es increíble. no lo hace al final, ni cuando acaba el segundo acto y se precipita el clímax, no. lo hace al principio cuando nos creemos que la película va de una cosa y de repente nos encontramos en algo totalmente distinto. eso sí, sin engaños (no como en otras películas, valga de ejemplo una que antes se ha nombrado), la historia nos lleva a ello, no es una estratagema donde se nos haya engañado sobre los hechos que hemos estado viendo.
y una última reflexión final (que largo está saliendo esto hoy...). el hecho de ver psycho hoy pierde la esencia de la sorpresa doble que preparó hitchcock e intentó mantener en el más estricto secreto para los espectadores que acudían a los cines allá por el año 60. eso hace pensar en la imposibilidad de vivir una experiencia (en este caso cinematográfica) tal y como podríamos haberlo hecho. algo se pierde. pero nos ha tocado vivir el momento que nos ha tocado. aún así pienso que aquello debía ser impresionante para el espectador. incluso el monólogo final del psiquiatra encuentro que es necesario para explicarle al espectador lo que ha sucedido (esencialmente en la mente de bates y, por lo tanto, en la película a partir de su aparición y los actos que comete). por eso no molesta tanto.
que película...

esto no podía faltar:

blue velvet o el lado bestia de la vida

Sandy: No sé si eres un pervertido o un detective.
Jeffrey: Cuando lo descubras, avísame.

Este es el final de un diálogo entre dos de los personajes del film de Lynch, Blue Velvet: el protagonista, Jeffrey Beaumont, y su novia "normal", Sandy, interpretada por Laura Dern. Nunca se me ha borrado de la mente desde la primera vez que lo escuché. Y es que Lynch tiene una capacidad grandiosa para crear escenas memorables. Mi favorita es, quizás, la de Bobby Perú en Wild at heart, Corazón Salvaje, junto a la misma actriz, Laura Dern: "fuck me, say fuck me...". Impresionante. Pero ahora no es momento de hablar de eso. Ni de Lost Highway y la llamada a la casa. Ni del final de The straight story.
Es momento de Blue Velvet.
Y Blue Velvet es el universo Lynch en el sentido del sonido especialmente. Todas las secuencias tienen un tratamiento sonoro excelente, dando pistas y generando emociones, contradictorias a veces, en todo lo que vemos e invitándonos con ello a ir más allá, a dejar el mundo tal y como lo conocemos y adentrarnos en lo profundo, en lo oscuro, tal y como hace la cámara al inicio cuando se adentra en el césped del jardín para ver la lucha -la vida- de algunos insectos.

Y todo se dirige hacia ese páramo desolado: el personaje de D. Hopper, Frank Booth, es impresionante aunque no le queda muy a la zaga el interpretado por Brad Dourif como Raymond. Todos ellos pertenecen a ese lado oculto, al rincón oscuro de la existencia. Y lo interesante de todo eso es el morbo y el deseo que corroen al protagonista, Jeffrey, por adentrarse en él y conocer algo de sí mismo que nunca se ha atrevido a observar. Su deseo de "vivir una aventura" fruto de un aburrimiento cercano al spleen parisino del XIX, no es más que el deseo de lo prohibido, de la vertiente oscura del ser humano y de sí mismo. O, por decirlo de otra manera, de su lado pervertido (o deberíamos decir perverso) en lugar del de detective.

foco

Cuando en fotografía hablamos del foco no creo que nos refiramos a algo que no sea evidente para cualquiera. Pero si es cierto que el foco es algo palpable y que no merece hacer comentarios al respecto, no creo que lo sea la profundidad de campo y el uso que se puede hacer de este elemento tanto a nivel fotográfico como narrativo.
En resumen, a nivel fotográfico, la profundidad de campo permite diferenciar entre distintos términos dentro de un encuadre, con lo que se gana profundidad y se crea la ilusión de que lo que vemos en la pantalla está en tres dimensiones.
Sin duda se podría hablar largo y tendido sobre el concepto de profundidad de campo en este sentido. Pero la verdad es que me apetecía escribir algo sobre él para referirme a su potencia narrativa: aquello que está a foco toma inmediatamente el protagonismo dentro de encuadre para el espectador y, por tanto, fija su interés. Esto es un elemento narrativo en tanto que damos información sobre lo que hay de importante ya que marcamos que es lo que queremos marcar dentro del encuadre. Pero la cuestión es que como todo elemento cinematográfico, podemos sacarle más partido y utilizarlo en otras situaciones de una manera original y curiosa. ¿Y si por ejemplo el foco está en una espalda? Un grupo de personas habla al fondo. En primer término una chica de espaldas. Y es ahí donde centramos la atención. Es eso lo que nos llama la atención. Para mí es una imagen de una potencia enorme porque encierra algo que te impulsa a desear ver más, a descubrir al personaje, saber que hace o dice. Y es en lo que insinúa donde reside la fuerza de la imagen.


Esta fotografía la tomé en un encuentro internacional para la preparación de un congreso. De todas las que tomé era la única que seguro que no podía servir para colocar en la página web donde se publicaba la noticia. Pero para mí sigue siendo la única que tiene algo de interés porque sigue insinuándome algo, invitándome a imaginar historias.
Debería haber puesto un ejemplo cinematográfico, lo sé. Pero no sólo de cine vive el hombre. ¿O sí?

el 9 de 2009

Se cierra un año y como siempre se hacen valoraciones respecto a todo lo que ha sucedido. Pero quizás es más interesante comenzar a preguntarse qué es lo que está por llegar. En cuanto a cine hay que resaltar que este año llegan nuevas propuestas que se esperan con mucho interés.
La primera de ellas el día 9 con el estreno de la nueva película de Gus Van Sant, Milk. La siguiente que podemos señalar será la que más ganas tengo de ver (no tengo colgado un reloj con la cuenta atrás en la habitación, pero más o menos llevo la cuenta mentalmente): The curious case of Benjamin Button de David Fincher. Hoy me atrevo a decir que este cineasta es uno de mis favoritos sin lugar a dudas, especialmente gracias a la que considero su mejor obra, Zodiac.
También llegarán las nuevas películas de Amenábar y Almodóvar: Agora y Los abrazos rotos respectivamente. Esperemos que mejoren la oferta nacional de este año...
Para los fans de Tarantino se supone que Inglourious Basterds también llegará este año.
Y muchos más títulos (las nuevas entregas de Harry Potter y de Terminator, Wolverine, Watchmen o Valkiria -que llega ya a los cines).
En todo caso seguro que no espera un año cargado de cine, bueno, malo y regular. ¡Esperemos que casi todo el que veamos sea aprovechable de uno u otro modo!

Y para no ser original, una pequeña reseña de lo que ha supuesto el 2009... La verdad es que no lo he pensado demasiado pero como los blogs y revistas van llenos de referencias al año pasado no es difícil dar un pequeño apunte.
En primer lugar las películas que creo que han marcado este año (estrenadas en España el 2008) son Wall-e, The dark Knight y No country for old men. Tres propuestas muy diferentes pero que representan nuevas miradas y grandes obras cinematográficas en cada género que representan.
Respecto a las decepciones hay dos nombres propios que en mi caso más que decepciones las considero fraudes: Camino de Fesser y El intercambio de C. Eastwood... Sentimentalismo fácil y vacuidad no significativa...
Y... no me la dejo, no... mención especial para la película que creo que representará al 2008 en el futuro y que va a marcar una época, la película que va más allá de todo lo que se ha visto este año y quizá hace años. La brillante e impresionante There will be blood de P. T. Anderson merece ser subrayada. Sencillamente imprescindible.

Aplausos en Sitges

El miércoles decidí acercarme al Festival de Sitges para poder ver una de las películas que esperaba con más impaciencia este año: Blindness del brasileño F. Meirelles (Cidade de Deus, The constant gardener). Este film está basado en la enorme novela de Saramago Historia de la ceguera (lectura imprescindible, según mi opinión). Y, la verdad, la idea de Saramago es tan grande, tan brutal, tiene tanta fuerza... que es difícil hacer algo que no tenga un mínimo de interés. Y creo que la película de Meirelles no tiene un poco de interés sino mucho. Y, por deformación profesional, especialmente la fotografía de Cesar Charlone, de la que puede que escriba algo un día –esta no es la entrada para ello.
Pero en lugar de hablar de la película quería anotar una reflexión sobre una anécdota durante la proyección de la película. Sabemos que las proyecciones en festivales o premieres tienen el problema (o no) de un público con ganas de hacer notar su opinión... durante la proyección. Recuerdo que la premier de Batman (sí, yo estuve allí) fue horrible: calor en una sala que ha quedado anticuada y en la que no puedes ver una película con subtítulos porque no hay ángulo de visión posible desde platea; y muchos, muchos gritos, aplausos, etc., etc. Y visto el precedente, al iniciarse la película de Meirelles me temí lo peor: los continuos aplausos a todo lo que aparecía en la pantalla (anuncios del festival, etc.) prometían una sesión difícil. Pero fue todo lo contrario. La película consiguió que todos estuviéramos atentos únicamente a lo que sucedía en la pantalla.

Excepto en un momento.

Es el momento de avisar que quizás desvele algo del argumento aunque intentaré hacerlo de la manera más discreta posible.

En una situación de una tensión extrema no sólo por lo que está sucediendo en la secuencia sino por todo lo que viene sucediendo en la historia que narra el film, uno de los personajes decide acabar con la vida de otro. No le será fácil conseguirlo. Existen trabas físicas y morales. Pero una vez superadas las segundas lo consigue e inicia un conflicto entre grupos de intereses contrapuestos. La cuestión es que en el momento en que consigue escapar tras matar a su “enemigo” y cruzar una serie de amenazas con otro, el público estallo en un aplauso magnífico, silencioso, serio.

Un aplauso de aprobación.

Un aplauso de satisfacción.

Un aplauso de alivio.

Y un escalofrío me recorrió la espalda. Aplaudían un asesinato. Más allá de la justicia. Más allá de la ley. No pude evitar pensar que los humanos seguimos siendo eso, tan solo humanos, a pesar de todos los vestidos de leyes, normas y justicia que intentemos tirarnos por encima.

Tan solo humanos, poco cosa. Creo que algo de eso explica el libro y la película.

reflexiones. expansión

Con el cine podemos aprender que las formas audiovisuales están en un proceso constante de transformación o expansión. Con la llegada por ejemplo de D. W. Griffith se inicia un trabajo exhaustivo para que los espectadores empiecen a comprender los diferentes planos de una película, enriqueciendo así el lenguaje del cine. Para ello de un plano general (situación espacial característica de las VISTAS, películas que se caracterizan por una narrativa ausente y que se dedican a tomar escenas de la vida cotidiana) empieza a pasar a un plano más cerrado: un plano general más cerrado, un plano medio y finalmente se permite introducir los primeros planos. Con ello consigue educar la mirada del espectador en el sentido que le interesa, mostrando que rápidamente el ojo humano se aclimata a una nueva situación en el audiovisual.

Este ejemplo pone de manifiesto las infinitas posibilidades de transformar y explotar las formas audiovisuales tradicionales, escapando en primer lugar de su contenido narrativo y, en segundo lugar, del modo en que se comprenden y se realizan. Es decir, el cambio de paradigma audiovisual es una posibilidad que se divide en un abanico tan amplio de posibilidades como formas de abordarlo existen. En este sentido el concepto de “expandido” o “expansión” está en constante boga en el discurso audiovisual. Los cambios –ya sean a través de la tecnología o a través de los contenidos más tradicionales- son posibles.

No obstante, y una vez esto está dado por sentado, debemos hacernos la pregunta sobre si existe un contexto determinado para que esos cambios se lleven a cabo. Sin duda hoy existen diversos espacios en que se premia la originalidad y la innovación en las formas audiovisuales, buscando obras que estén más allá del audiovisual tradicional. Pero la escasa noticia que se tiene de estos eventos o espacios a nivel de público general hace pensar que son más bien laboratorios que la industria utiliza para encontrar nuevos modelos de innovación o talentos por descubrir. En lugar de esto, el audiovisual que sigue ostentando el cetro es el cine narrativo más tradicional confeccionado en la fábrica de los sueños de California.

La fantástica exposición de Guerin “Las mujeres que no conocemos” es un buen ejemplo de esto. Su localización en el CCCB ha llegado a un gran número de espectadores que se han acercado curiosos por la obra de este cineasta. Pero más allá de estos niveles, esta especie de nueva forma audiovisual que podemos llamar “cine expuesto” no parece tener un futuro alejado de los museos.

La duda que se me presenta constantemente es si el audiovisual (que evidentemente va a cambiar incluso en su faceta más tradicional debido al proceso interno que lo rige) que genera una nueva forma de comprender el mismo producto AV es una futura pieza de museo o realmente algo que revolucione la mirada de los espectadores tal y como hizo Griffith. En la entrevista a Pere Portabella que Benzina publicó en Marzo ver como un cineasta “sui generis” como él exige del espectador gran atención:

Ha d'assumir que entre la pel.lícula i ell no hi ha intermediaris: hi som l'autor, l'espectador i les coses que passen. És important estar atent, amb actitud receptiva a la sorpresa constant per poder acabar la pel.lícula un mateix. Les meves pel.lícules no tenen argument i per tant tampoc tenen final. L'espectador hi ha d'entrar, gaudir-les i marxar però no pot agafar-se a cap esdeveniment concret.

Además también se comenta la relación entre cine y museos.

Jo entro als museus per una qüestió molt senzilla i és que qüestiono els llenguatges tradicionals. Aquets canvis que aporten les meves pel.lícules lliguen amb l'art contemporani, és un cinema contemporari. El que m'ha impedit estar als cinemes, perquè he trencat amb els esquemes de producció i distribució, és el que m'ha permès entrar i ser acceptat als museus. Tota una paradoxa.

Con esto parece que queda confirmado que los audiovisuales que van más allá a través de una expansión cuantitativa y cualitativa tienen un camino difícil para que el espectador acceda a ella y poder así generar un cambio cualitativo en la mirada que enriquezca nuestro panorama cultural. Mientras tanto, y como dice Portabella, nos quedan los museos.